DCU Decisions, Superheroes y politica.

Por Javier Califano.

El panorama político de los Estados Unidos, por estos días, representa un tema de análisis y discusión  recurrente ocupa la primera plana de todas las secciones de política internacional de los más respetables medios de información en el mundo entero, y en septiembre dicho tema repercutirá en la vida social de los héroes del Universo de DC.  

 

Las Decisiones de DCU, será una miniserie de cuatro-partes que seguirá un cronograma de publicación semanal entre septiembre y octubre próximo. Con el titulo original DCU Decisions, cuanta con los guiones de  Bill Willingham y Judd Winick, con el arte y las portadas de Stéphane Roux. El arco argumental se ocupara de enseñarnos como los más poderosos y respetados héroes son arrastrados a la arena política, debido a las circunstancias y las acciones inherentes a uno de los propios héroes de D.C. Comics.

 

En principio, cabe destacar que cada idea, cada manifestación de pensamiento es una decisión política, subliminal o directa, pero política al fin… en el caso de DCU Decisions, el titulo representa la mirada del comic (arte narrativo)que trae de forma “directa” la política a un terreno que usualmente estaba ajeno y distante de temáticas concernientes a la esfera  política de estos días.

 

Dan DiDio, editor ejecutivo de D.C. Comics, afirmo: “Estamos entrando en un año de elección muy interesante, y lo importante sobre dicho tema es la expectativa  de un sentido de cambio de Estructuras”…algo que cambie el aire respecto al proceso político que esta llevando adelante la actual administración en los Estados Unidos. Los que D.C.Comics intenta buscar con el lanzamiento de la miniserie es alentar la emoción, y cuenta con una historia que juega en el Universo de DC con los mas populares personajes, usando el telón político que vive el país en estos momentos.

 

Es de este modo como pesonajes como  Green Arrow demuestran sus verdaderas posiciones políticas respecto a sus inclinaciones, así como lo que los motiva a ser los héroes que son, y por lo tanto apoyan las tendencias que ellos creen es necesario para su mundo y su país.  

 

La historia entrelaza a los héroes y al sistema político de los Estados Unidos, cuando un asesino (en medio de los héroes) está intentando romper y destruir básicamente el proceso político. Los sucesivos asesinatos de los candidatos hacen que  los héroes comprendan el alcance de la conspiración y,  más pretenciosamente, el impacto que tendrán los mismos en el gobierno y el país.  

Cuando los héroes reaccionen a las provocaciones del asesino, cada uno comenzara a expresar sus propias creencias políticas, dando lugar no solo a la acción, sino a una interesante discusión que avivará la importancia del rol y participacion que cada uno de ellos debe sostener en el proceso.  

 

El dato…

La última vez que el DCU se ocupo de temas políticos en los guiones de sus comics book,  se detallaba la carrera de Lex Luthor hacia la Casa Blanca. Es necesario decir que en dicha ocasión Luthor gano las elecciones… por lo tanto el manejo y el destino de la mas poderosa democracia estaba en manos de unos de los mas populares villanos del mundo del comic.

¡Pero a no desesperar!  Hace pocos años atrás el guionista Jeph Loeb logro que el trabajo en equipo de Superman y Batman, sacara a la luz todos los estragos políticos cometidos por Luthor, derrocando al dictador de la Casa Blanca.

Superhéroes: La moda y la Fantasía

Por Javier Califano.

La inspiración que despierta el gran caudal imaginario de los comics en el arte contemporáneo son por demás conocidas; representadas en los trabajos de grandes maestros del pop-art como Andy Warhol y Roy Liechtenstein, cautivando desde hace décadas la atención de todos los entusiastas visitantes de los museos y galerías de arte del mundo. La nueva exhibición, Superhéroes: La moda y Fantasía, se presenta desde el 7 de mayo en el Museo de arte Metropolitano de New York. La muestra tiene la intención resaltar expresamente la concordancia entre la iconografía de los comics books y el mundo de la moda.

En asociación con “El Instituto del Traje”, la exhibición no se aloja en el hall central del museo de New Cork. El curador y director de la muestra es el diseñador Nathan Crowley (encargado del diseño de producción de Batman Begins y El Caballero Oscuro.) El despliegue visual de la muestra, manifiesta una contundencia visual sin precedentes, mancomuna los iconos de la historieta clásicos y haute-couture que se disponen cual dioses modernos, ante los visitantes del museo para ser venerados desde todos los puntos de vista.

Cada héroe o heroína son usados para representar un arquetipo de cuerpo diferente. El traje e cada personaje determina el despliegue y la manifestación de su carácter. Ellos empiezan fuera de con las armas grandes; Superman y Spiderman. Describen diferentes tipos “Cuerpos” Gráficos… haciendo uso de la iconografía de sus nombres como el icónico logotipo de “S” y el plan del una tela de araña que se despliega de modo grácil y sutil sobre el cuerpo de Peter Parker. De este modo los personajes mas emblemáticos de las editoriales Marvel Comics y D.C. Comics representan un surtido segmentos de la alta costura de los últimos años. Los trajes originales de Superman de Christopher Reeve se exponen de una manera única; con la ayuda de una ilusión óptica de un par de luces aclaran y oscurecen los matices del traje.

También se exhiben ambos los trajes del Spiderman, el clásico azul y rojo y el impactante traje negro que presento en su ultimo advenimiento cinematográfico, en el caso del icono de Marvel, es acompañado por una serie de diseños de trajes y vestidos, los cuales ofrecen el rocío clásico de tejido de araña.

Iron Man (el Cuerpo” Blindado) es acompañado en la muestra por un surtido de trajes del sci-fi inspirados en la armadura del reciente suceso cinematográfico.

Especial atención requiere e la muestra la secion dedicada a Catwoman (llamada “El Cuerpo Paradójico”) la muestra esta compuesta por catsuits de dominatrix que se ajustan al cuerpo sobre aditamentos de vinilo y cuero.

Otra de las secciones de esta interesante muestra es denominada El Cuerpo “Aerodinámico”, dedicada al popular “The Flash”, que inclina por diseños inspirados en el mundo real; El uniforme aerodinámico de Barry Allen (The Flash) se refleja hoy en los Lycra-suits de trajes de velocidad ” llevados por patinadores y corredores en los deportes profesionales.

El plan dinámico de la muestra es llevada a cabo por un notable catálogo de fotografías de series de televisión y adaptaciones fílmicas de los héroes. Esta exhibición trata acerca de los iconos del respeto y honor, que se han usado como inspiración de los artistas de moda contemporánea, y ahora aquí ellos serán las representaciones mismas de su mito, de su inspiración y de su legado a otra rama del arte como la moda.

Superhéroes: La moda y la Fantasía, está abierta desde 7 de mayo - el 1º de septiembre de 2008 en el Museo de Arte Metropolitano de la Ciudad de Nueva York. Para más info: http://i.metmuseum.org/

MARVEL AL CELULOIDE

por Javier Califano

Aprovechando el reciente e inconmensurable éxito de critica y taquilla de la película de IRON MAN (100 millones de dólares en Estados Unidos y el doble en el extranjero) Marvel Studios convoco esta mañana a una rueda de prensa para notificar sus planes de producción para 2009, 2010 y 2011.

La secuela Iron Man , se sabe mas que confirmada con su estreno ya pautado para el 30 de Abril de 2010. El 4 de Junio de dicho año será  el lanzamiento de la adaptación cinematográfica del blondo pelilargo Thor, con la dirección de Matthew Vaughn (Stardust).

A maravillarse True Believers!!!

6 de Mayo de 2011 será el lanzamiento  cinematográfica del Capitán America… con el titulo confirmado The First Avenger: Captain America. Y dos meses mas tarde acontecerá lo que todo los Marvelitas soñaron alguna vez… un orgásmico espasmo de placer para las retinas:  Julio de 2011 será el estreno de THE AVENGERS. Para ese entonces todos los personajes del super-grupo de Marvel Comics, ya habrán aparecido como protagonistas o invitados en algún cameo en el resto de los films de Marvel Studios.

Dato…

La adaptación de El increíble Hulk protagonizada por Edward Norton,  A estrenarse próximamente (apenas un mes y medio), es la piedra filosofal de todo el proyecto fílmico de Marvel, ya que todo parece girar en torno a la búsqueda del suero del Super- Soldado. Como detalle especial, en el film se presenta Robert Downey Jr, como un Tony Stark ya involucrado en el proyecto AVENGERS!

Hulk. El hombre y su bestia interior.

Por Javier Califano.

¿Que harías si toda situación de conflicto te trasformara en  una bomba a punto de explotar? ¿Que harías si en cualquier momento te transformaras en un monstruo conocido como Hulk?

De seguro no perderías la oportunidad de acercarte a Hollywood y convertir tú peculiar y verdoso tono radiactivo en un redituable “tanque de temporada”, que como buena fantasía de celuloide y grandiosos efectos especiales,  garanticen el entretenimiento de los espectadores.

 

Recordemos que -hace unos años atrás- el personaje gozo de una peculiar visión de su trágica epopeya dirigida por Ang Lee y protagonizada por el Australiano Eric Bana. Entonces dicha versión cinematográfica,  resulto en un muy correcto análisis de la psique conflictiva del personaje. El caso es que el  “grueso” del público no supo comprender tal visión, ya que  entonces se buscaba cantidad de parafernalia visual y poco de calidad argumental. El desdichado Hulk de Ang Lee, tuvo una tibia y discutida aceptación en un mercado donde las producciones de Hollywood requieren de resultados inmediatos en taquilla y aceptación popular. Resultados que se miden en dólares, el verdadero coloso verde.

 

Pero en los últimos tiempos Hollywood comprendió que ya no alcanza con el más lucrativo  despliegue visual. Hoy, las superproducciones deben disponer de cuidadosas tramas que garanticen cierta profundidad en sus productos más comerciales. Por este motivo, desde hace algunos años, es muy cuidadosa la elección de los directores y guionistas –eje medular del film- como  de los protagonistas de los productos mas redituables o  “tanques comerciales”  que hoy en día no recaen en figuras de ocasión, sino en actores  habituados  a un cine  independiente que prima la calidad y  las ambiciones artísticas, como es el caso de Christian Bale, Gary Oldman, Michael Caine, el desaparecido Heath Ledger y Aaron Eckhart, en la inminente Batman, The Dark Knight. Un camino similar parece tener otro de los héroes de viñetas como Iron Man, que cuenta con el grandioso  Robert Downey Jr. Terrence Howard,  Gwyneth Paltrow  y  Jeff Bridges… Digamos, entonces, que el signo de los tiempos determina que el producto  de temporada pone en primer plano la trama y la calidad como ecuánimes.

 

Hulk es dirigida por  el francés  Louis Lettier (Danny the dog) -el niño mimado de Luc Besson- el film es protagonizado por  Edward Norton, dos veces nominado al Oscar y uno de los niños terribles de Hollywood, responsable del guión de la nueva versión cinematográfica del popular personaje de Marvel comics.  Acompañan a Edward Norton, un notorio  elenco compuesto por  Tim Roth, Liv Tyler y William Hurt.

 

La nueva película de Hulk  presenta a un Bruce Banner (Edward Norton) en constante huida. Sin lugar donde esconderse, este flacucho al peder el control puede transformarse en un monstruo esmeralda  de media tonelada, capaz de dejar a su paso un tendal de caos y destrucción.   Perseguido por un grupo de militares de los Estados Unidos, que  -en un estilo muy republicano- buscan disponer de los resultados del fallido experimento de rayos gamma  que hacen mutar al científico en el descomunal Goliat.  La misión encabezada por el general Ross (William Hurt), quien pretende confinar en instalaciones del gobierno a Bruce Banner  como  propiedad del gobierno y  una futura  arma de destrucción masiva.

 

El atormentado Bruce Banner, en constante persecución, no encontrara lugar en el mundo donde esconderse y ejercer un auto-control de su bestia interior.  

El nuevo film rescata el  espíritu de la serie de TV.  Protagonizada por Bill Bixby y Lou Ferrigno de finales de los 70.  En aquel entonces la temática de la serie ostentaba un halo melancólico que indagaba en  las desventuras de un afligido Banner convertido en un paria que recorría las rutas de los Estados Unidos, con su bestial alter-ego a cuestas… cabe destacar que la serie del Increíble Hulk estaba por demás influenciada por otra  mítica serie de TV, El Fugitivo.

Will Eisner´s “The Spirit” movie.

 

Guion y Direccion: Frank Miller.

Int: Gabriel Macht, Samuel Jackson, Scarlett Johansson.

Por Javier Califano.

 

Luego del éxito obtenido por las  adaptaciones cinematográficas de sus novelas graficas “300” y “Sin City”. Hollywood  le concede  al legendario artista de comic Frank Miller la oportunidad de dejar su impronta en celuloide.

Irónicamente el debut de Miller en la pantalla grande no recae en la asignación de una adaptación de alguna de sus obras, sino en procurar resucitar al presuntamente muerto Detective Denny Colt/ “The Spirit” la obra cumbre de un genio del noveno arte como Will Eisner.

 

Nuestro peculiar (anti)héroe “The Spirit” interpretado por Gabriel Macht (The good Sheppard), quien se enfrentara con  una banda de bellezas letales como P´Gell, Silo, Sand Saref y Skinny Bonnes. Lideradas por el señor del hampa, Octopus (Samuel. L. Jackson) que intentaran apartar al justiciero de sus nobles objetivos. El film representa el sentido homenaje que realiza Frank Miller a su mentor Will Eisner.

 

Entre Mujeres Fatales y un antifaz.

 

Frank Miller es una figura ilustre en el mundo del comic por un sinnúmero de virtudes, entre ellas su narración abocada a un inconfundible estilo Noir, extremadamente grafico y con altas cuotas de violencia implícita.  

Un artista avezado en el  manejo sublime de los claroscuros, Miller se ha destacado en su carrera  por  trazos intensos  que definen viñetas con  las más peligrosas y sensuales mujeres  de tinta china en la historia del comic. La mujer fatal es una rubrica en el estilo de Frank Miller, y por  dicho motivo ha reunido un casting con las más sexy´s y provocativas estrellas de Hollywood -  Scarlett Johansson, Eva Mendez, Sarah Paulson, Paz Vega, Stana Katic-. Las mujeres fatales regresan a la pantalla grande, con un cigarrillo de boquilla y pidiendo lumbre, con vestidos abiertos hasta los muslos, contoneándose sensualmente y acariciándose el pelo. Chicas manipuladoras que saben como conseguir todo lo que desean.

 

Pero de todas estas peligrosas bellezas, la figura más destacada es la de la femme fatale por excelencia, Sand Saref (interpretada en el film por Eva Mendez) personaje con el  que en  1950 Will Eisner, tomaría como referencia el film Casablanca (1942) de Michael Curtiz, para componer el capitulo titulado “La balada de Sand Saref”, que concluye con The Spirit y Sand Saref dejando una historia de amor inconclusa, como lo hicieran Bogart y Bergman en el cairo.  Al igual que  Bogart, el noble The Spirit ve despegar el avion con su amada, mientras en tierra, lo acompaña el jefe de policía Dolan… y será el principio de una hermosa a mistad.

 

¿Quién es The Spirit?

 

En 1941, Will Eisner creó un detective “goofball” al que  nombró Denny Colt…  ante los ojos de la sociedad, Denny murió en cumplimiento del deber (no realmente), para renacer bajo la mascara de “The Spirit”, el misterioso protector del cementerio… y las muchachas bonitas en particular.

 

Caos. Asesinatos. Navajas y pistolas en manos de hombres que asechan en los callejones y los muelles. Los titulares de los diarios proclaman la escalada de violencia… Las sirenas de la policía son el llanto mismo de una ciudad que grita de dolor. ¿Quién salvara a la cuidad? 

 

La  ciudad respira, palpita y cuando sus lamentos llegan a las entrañas de la tierra, desde el cementerio de Central City, amparado por la oscuridad,  surge la figura de un misterioso sujeto, fuerte como un buey, con un antifaz que no logra disimular sus ojos amigables. “The Spirit” un justiciero, fuera de la ley, aceptado por la policía como una figura amistosa… pero temido por el bajo mundo.

 

The Spirit no posee ningún superpoder, es un hombre común que solo cuenta con  un agudo sentido del honor y el deber; un olfato policiaco intrínseco y unos puños picantes….  

 

 

Wells, Wilder o  Hitchcock son sinónimos de cine. Eisner lo es de Comic.

 

Will Eisner está considerado por méritos propios como una leyenda del cómic mundial. En los años 40 creó para la prensa The Spirit, un personaje con el que comenzó a definir la  “narración grafica” un lenguaje propio del género del comic. Por aquel entonces Eisner tomaría la primera pagina de cada capitulo, para disponer de las letras que conforman  “The Spirit” e  insertarlas dentro del propio dibujo como elementos o escenarios dentro  de las viñetas.

Con el correr de las décadas y con “The Spirit”  instaurado como una figura de culto, Will Eisner investigo y trabajo exhaustivamente en el desarrollo del lenguaje narrativo del comic, logrando  sacarle el mote de arte menor al genero, para definirlo desde el concepto de “novela gráfica” válido de un contenido adulto y no de simple entretenimiento juvenil.   

 

 “The Spirit” quebranto la ley de aquel entonces… y la de hoy también:  

Dentro de los esquemas del comic de mediados del siglo XX,  la obra de Eisner, rompió con varios modelos y esquemas establecidos. 

 

Eisner era el artista de la tira y el escritor (Artista integral) un hecho que todavía es raro hoy.  

 

“The Spirit” fue publicado y se distribuyó como una tira cómica en los periódicos  dominicales de los Estados Unidos. Fue leído semanalmente por millones de personas entre 1941 a 1952.  

 

Ninguna de las tipografías de la publicación  que definían las portadas con la palabra  “The Spirit”  era igual a la presentada en el número anterior. Aunque la mayoría de los funcionamientos comerciales – desde Superman a  Pepsi-cola – a lo largo de los años se ocuparon de instaurar y comercializar sus logotipos, Eisner logro desafiar todos  los esquemas de la industria del marketing, al cambiar el encabezado “The Spirit”  todas las semanas, durante mas de 12 años.  

 

“The Spirit” era una pura diversión, aunque con una narrativa audaz y madura, apuntó al publico adulto pero accesible a los niños.   Por todas estas razones, “The Spirit” se publicó y se reeditó en los varios formatos durante 60 años. Su mirada, percepción y el sentido del humor “smartass” es eterno.  

   

Eisner resulto una gran influencia para los mas destacados artistas contemporáneos como los  granadores del premio Pulitzer,  Art Spiegelman (galardonado la novela grafica Maus) y para   

Michael Chabon (galardonado por “Las Asombrosas Aventuras del Kavalier & Clay”) ambos autores se reconocen inspirados por varios de los cuentos de Eisner que fueron publicados. 

KICK ASS los tiempos violentos de Millar y Romita Jr

Por Javier Califano.

” Finalmente ha llegado el mas grandioso libro de superhéroes de todos los tiempos ”

La frase proclama una actitud avasallante, a jactancia y verdad, que lanza al ruedo una de las obras mas personales del escritor Mark Millar.  

Desde la portada, un diminuto puño -enfundado en lo que se advierte como la metonimia de un extravagante y destellante  traje de superhéroe- hace añicos  la cabeza de un sujeto de rasgos huraños.

Kick-Ass, es una mini-serie de seis partes creada por el controvertido escritor Mark Millar (The Authority, Ultimates, Wanted) y el talentoso artista John Romita Jr. (Spiderman, Eternos), que inaugura la línea editorial “Icon” de Marvel Comics. De este modo,  una de las mas populares editoriales de comics del mercado americano, otorga autonomía a los autores, quienes serán  propietarios de los derechos de sus personajes y exclusivos responsables de los contenidos que producen.  

 Gustoso de cuestionar todo discurso políticamente correcto, Millar no se propone re-inventar el género del superhéroes, sino que su obra resultara como la decostruccion más descarnada de la palabra “Superhéroe” desde su peculiar y propia visión fatalista de la realidad. 

Kick Ass, no es un comic más de superhéroes. Nace desde la –muy excéntrica-  fascinación de Millar por el mundo real.  Ese contexto tan cotidiano y reconocible para el lector,  en el cual el autor desde hace algunos años tiene la intención de ubicar y circunscribir sus relatos.

Solo hay que recordar los trabajos de los últimos años de Mark Millar, para cotejar ese peculiar contexto en el que la ficción se pone en duda bajo premisas realistas: un Capitán América que responde sin dudar a las políticas de estado republicanas de Bush, o un Thor que tal vez no sea un Dios de Asgard, sino  un activista de Greenpeace pasado de esteroides. 

El arte de Romita Jr, resulta sorprendente para este titulo que se pasea por páginas  que registran la vida de David, Lizewski con un estilo de trazos limpios y seguros, que parecen  apuntes robados de la cotidiana vida de un adolescente. Pero cuando de un momento a otro  la violencia hace erupción, todo parece más realista y doloroso. Para concluir este numero con una secuencia de viñetas que dibujaran en la cara del lector una mueca de dolor.

 En solo un ejemplar de Kick Ass, el autor nos ha dejado acongojados y expuestos ante un torbellino de emociones encontradas, que habrán de remitirnos  a nuestra adolescencia… En particular a ese muy surrealista instante en el que alguna vez nos preguntamos lo que sería ponerse un traje y emprender una lucha contra el crimen, o en todo caso, enfrentar las injusticias de que mas a mano se nos presentaban, mientras (como a muchos nos sucedió) soportamos la vida social de  la secundaria. 

Sin concesión alguna, el lector promedio habrá de colisionar con un instante de su vida en las viñetas  que reflejan  los  tormentosos 16 años de David Lizewski, un joven que no  estuvo expuesto a la intervención de rayos cósmicos. No ha tomado el suero del Super-soldado. Ni siquiera ha sido picado por una araña radioactiva. David  debe su origen a la más letal combinación de “soledad y desesperación.” conocida como una  angustiante inoculación denominada “Adolescencia”, una sustancia que todos padecimos, asimilamos y a la que finalmente hemos sobrevivido.

LOS CUATRO FANTASTICOS DE MARK MILLAR

Los Cuatro Fantásticos y la ciencia ficción del nuevo milenio.

Fantastic Four Nº 554. Marvel Comics.

Guion: Mark Millar.Dibujos: Brian Hytch. 

Por Javier Califano.

“La ciencia ficción configuro el imaginario del siglo XX. Sin su presencia no se explicaría porque se ha gastado más en explorar el espacio que en combatir la miseria, o que nos hayamos acostumbrado a creer de modo fatalista que todo lo que se inventa merece ser llevado a la práctica. Para bien o para mal el mundo en que vivimos es la materialización de sus fantasías”.

Pablo Campanna. Ciencia ficción: utopía y mercado. 

Históricamente,  la ciencia ficción fue un disparador de ideas, no concretas, pero con un potencial increíble, que mas tarde serian  acopladas a la cultura. Un modo de pensar el futuro. Hoy  el género de la ciencia ficción, se circunscribe a una  tendencia que optara por disponer de un contexto más familiar: generando una sensación hiperrealista, donde la sociedad, la política y los modos de vida, resultan elementos funcionales que habrán de  distorsionarse a niveles alarmantes, en pos de gestar una estructura dramática regida por la paranoia y el desasosiego.  

La era Millar de  Fantastic Four.

Serán la familia más poderosa de América. Los Cuatro Fantásticos, aquellos que a lo largo de su historia, se convertirán en una paradoja existencialista de la nación norteamericana. Porque mientras más poderosos sea cada uno de sus integrantes, más distanciados estarán unos de otros. Mark Millar (autor de Aztek, Swamp Thing, Superman Red Son, The Ultimates , Civil War) encuentra un espacio ideal para desarrollar con “The Fantastic Four”, un relato que descansa en la premisa básica de la ciencia ficción contemporánea, una tendencia hiperrealista, que resulta ideal para que imaginemos a los personajes Marvel comics, sostenidos por el cáustico sentido del humor, las referencias culturales y los cruces mediáticos que forman parte del imaginario del controvertido escritor escocés.

Bryan Hitch (The Authority, The Ultimates),  un dibujante poseedor de un trazo limpio y de solución fotorealista, acompaña el advenimiento de Millar en “The Fantastic Four”. A lo largo de su carrera, Hitch se ha caracterizado por desarrollar una  narración visual espectacular, de características  cinematográficas que atraen la atención de público.

Muy típico de Mark Millar es promover citas entrelineas… 

En el primer numero de “Los Cuatro Fantásticos del universo  Millar”, nos encontramos con personajes que viven a mil revoluciones por minuto… desde las primeras viñetas, la familia Richards se encontrara celebrando una poco convencional salida familiar… mientras escapan del ataque de indios a caballos en el siglo XVIII, con una maquina del tiempo a vapor montada  sobre los rieles del ferrocarril, en una muy clara alusión a una de las mas destacadas sagas del cine de ciencia ficción, como “Back to the future”.  

De regreso en el siglo XXI,   Sue Storm (la mujer invisible) se reúne con un distinguido grupo de heroínas del universo Marvel comics, como She-Hulk y The Wasp,  para instaurar las bases de lo que parece un nuevo grupo de chicas superheroicas -muy Newyorkers- mas interesadas en que grandes diseñadores realicen lobby por confeccionar sus uniformes, que por anticipar amenazas de gran escala.  Mujeres más cercanas a una sitcom del canal  Sony…  

Ocurrente y desprejuiciado, Johnny Storm (la Antorcha Humana) es el ensayo más  grosero de la figura controvertida de Paris Hilton. El mediático integrante de la agrupación de héroes es músico de ocasión – sin saber tocar una sola nota- además de utilizar el dinero de las patentes de los inventos de su cuñado, el Dr. Richards,  para  arrendar un edificio…plagarlo de cámaras de TV, y  dar rienda suelta a su fantasía de tener su propio Reality Show.  

Ben Grimm (El Hombre de Roca) quien siempre se mostraba apenado por su monstruosa presencia, hoy toda una celebridad que  provoca  estragos entre las alumnas de preparatoria, las que ya mayores de dieciocho, toma como todo una experiencia pasar la noche con el coloso de piel rocosa y ojos azules.  

El Dr. Reed Richards (El Hombre Elástico) un tecnócrata y claro referente de la ciencia ficción contemporánea. Reed es lo que conocemos como un workaholic que incluso diseña androides domésticos en las tandas publicitarias de los programas de TV que consume. El personaje según la vision de Millar es la materialización de un signo de los tiempos. Lo que desde la década del 80´ fue una masiva tendencia a ser psicoanalizado, donde todo era una excusa para recaer en el diván. Hoy, en el nuevo milenio, los hombres y mujeres de entre 25 y 40 años, residentes de las grandes urbes,  han de tamizar  sus problemas cotidianos, generados a partir del distanciamiento, la falta de comunicación y soledad, en una tendencia de somatizar una desmedida devoción al trabajo. 

Todo el esquema familiar y el modo de vida actual de los superhéroes mas familieros de Marvel se pondrá patas para arriba cuando se materialice en el hall de la residencia Richards, la figura de Alissa Moy, una hermosa mujer – y una de las mentes mas prolíficas del siglo- quien en sus años de universidad ha sido novia del Dr. Richards, y sin tiempo que perder toma la mano de su antiguo pretendiente para teletransportase a una base en el polo norte donde se desarrolla el proyecto ultra-secreto: NUWORLD.   

Mientras el Dr. Richards se cuestionaba en su hogar sobre los muy disímiles caminos que habían tomado los integrantes de los Cuatro Fantásticos en la actualidad, la aparición de Alissa resulta como una respuesta a sus inquietudes. Los integrantes  de la organización EARTH TRUST invitan a Reed  Richards a formar parte del proyecto que han desarrollado en los últimos  años: Una tierra paralela a escala y con exacta simetría con nuestro mundo ¡copia fiel de cada ciudad y esquina!  NUWORLD. Un planeta diseñado por la mano del hombre con la finalidad de refugiar a la humanidad ¡ante la inminente devastación de la vida en el planeta tierra!  

El planeta que conocemos esta por colapsar su ciclo de auto-conservación, los desmanes climáticos y la desmedida explotación de los recursos, son signos evidentes de lo  que se cree que será el  declive de la biosfera en los próximos diez años. NUWORLD esta lista. El éxodo debe ser paulatino y organizado. 

Para evitar que esta nueva morada de la humanidad se vea sometida a los trastornos desmedidos que provoco el hombre en los últimos 200 años, los laboratorios de EARTH TRUST han gestado un sistema de vigilancia planetario: NIGHTINGALES: soldados creados genéticamente, y las imponentes  las unidades  cyborgs: C.A.P  (Conserve And Protect). Ambas en  fase de gestación…. Todos aquellos lectores que vislumbren una pesadilla de dimensiones Orwellianas, no habrán de estar equivocados. 

La versión de Mark Millar de “The Fantastic Four” se trata esencialmente del espacio en que  fantasía y tecnología desenfrenada -o ciencia ficción- son  llevadas más allá de los límites. La utopía y el fin del mundo en un cruce de caminos que da rienda suelta a una ficción maravillosa.

Diario de los muertos.

Dirección y guión: George A. Romero.
Int: Joshua Close, Scott Wentwoth, Michelle Morgan.
Por Javier Califano.
“Diario de los muertos” no es una película mas acerca de virulentos zombies contra la humanidad. Es la obra de un mordaz realizador como George Romero, quien se cuestiona a si mismo sobre la responsabilidad de elegir que imágenes brindar para testimoniar un recorte de la realidad. No ajeno a las tendencias actuales, donde la voracidad mediática representa el común denominador de jóvenes adoradores de una cultura narcisista.
Los medios como videoblogs o myspace, condensan la insolencia y la vehemencia de testimonios alocados, mas aun descabellados, que se escupen a lo bonzo y son regidos por una premisa básica… si no ha sido filmado, no ha sucedido.

Con cada entrega de su saga, iniciada en 1968 con “La noche de los muertos vivos”, el realizador ha trasformado al zombie en la criatura de celuloide más política que el cine ha representado.

Para Romero cada una de sus películas es un espejo de la década. Si bien en 1968 la sociedad norteamericana cerraba los ojos a los sucesos de Vietnam, en favor de mantener una falsa estabilidad, lo que no era más que una mentira latente. Una película como” La noche de los muertos vivos” resulto como la metáfora de una sociedad ignorante que de la noche a la mañana ve fagocitarse todo un esquema de moralidad, para finalmente hundirse en el ostracismo.

La sociedad de ese entonces se vio colapsada por la ferocidad de la represión a toda forma de protesta sostenida por ideales y referentes contrarios y diferentes a lo establecido por el modelo… los hippies, los homosexuales, los latinos, los negros, los socialistas… y demás. Entonces un joven estudiante de cine de Pittsburghs llamado George Romero, encontró el mejor modo de metaforizar la actitud de la sociedad Norteamericana en un film que sucede puertas adentro de una residencia. Afuera se encuentra el desastre. Afuera aguarda lo que ha ocurrido. Afuera, el monstruo es una alegoría de la verdad que rasga las puertas y las ventanas para comerse esa falsa impresión de realidad resguardada en la ignorancia.

Una década más tarde, en 1978 ya avezado como realizador George Romero regresa con “El amanecer de los Muertos” y esta vez la batalla entre los vivos y los muertos tiene un escenario poco habitual… uno de los fenómenos de consumo en expansión por aquel entonces: Un Shopping Mall. El film es denota una corrosiva muestra de humor negro y resulta una critica desmedida a la sociedad de consumo masivo.

Es necesario recordar que hace unos años atrás el film tuvo una correcta remake realizada por Zack Snyder (300), que impulso el interés que actualmente demuestran los estudios cinematográficos sobre los zombies… para tener en cuenta:

. 28 days later. De Danny Boyle, con Londres como escenario de una plaga viral de zombies rabiosos.

. Shaun of the dead. De Edward Right. La mejor comedia sobre el género de zombies en Londres.

. Land of the dead. De George Romero. El film que marco el regreso de Romero tras una larga ausencia. Conocido como “Tierra de los muertos” un film impecable, zombies y humanos en un western futurista de frontera.

. Homecoming. De Joe Dante. Recientemente estrenada en DVD (forma parte de la serie masters of horror) interesantísima alegoría política de la era Bush.

Mas tarde en 1985 Romero regresaría al ruedo con “El día de los muertos vivos” en plena convulsión por la carrera armamentista de la era Reagan. Una vez mas el realizador carga las tintas contra un estado fascista, trasladando la acción y a sus zombies a una base militar. Eran tiempos en que Los Arnie´s y los Sly´s ocuparon la pantalla desbordando de esteroides. Héroes de acción –por demás fachos y reaccionarios- al servicio de un gobierno de águilas.

Un largo camino ha recorrido este realizador, a lo largo de cuarenta años, junto a sus huestes de muertos vivos. Hoy “Diario de los muertos” es una inteligente metáfora política sobre la propagación de la crueldad de los medios de comunicación masivos de la sociedad. Esta vez la acción tiene lugar en un espacio inclemente- por demás reconocible- donde la única realidad permisible es aquella que puede tener un rédito mediático… Aficionados y medios masivos parecen contagiados por la voracidad de capturar una realidad mediática, sin moral, sin escrúpulos… sin pudor alguno.

BAFICI. Como sobrevivir y sobreponerse a un festival de cine.

Del 8 al 20 de abril, se realizara la 10º  edición del festival de cine independiente de Buenos Aires (BAFICI) organizado por la secretaria de cultura del gobierno de la cuidad. 

 Por Javier Califano.

Durante mas de una semana el popular shopping del Abasto será la cede oficial  del festival de cine independiente de Buenos Aires, y las salas de cine de la calle Corrientes, afectadas al festival,  colapsaran su habitual  capacidad de espectadores.  Dejando de lado temas inherentes  a la programación de las diferentes secciones del festival, que ocuparan el interés de la gran mayoría de las revistas de cine y suplementos de espectáculos.

Este espacio propone tomarse con algo de humor el comportamiento adictivo de  jóvenes que insatisfechos de tendencias y modas, mediante un  extraño y excéntrico ritual, desplazaron a la comunidad cultural y cinéfila de Buenos Aires, para “posicionarse y apropiarse” de un espacio cultural.  

Más de un desprevenido espectador que buscaba la oportunidad de conocer y formar parte de  lo que es una celebración al  séptimo arte en la ciudad,  se encontró azorado  con hordas de temibles (post)adolescentes -estereotipos varios-  atrincherados en pasillos y escalinatas de todos los cines que tienen su programación afectada al festival. 

El (BAFICI)  festival de cine de Buenos Aires  -tomando aquí los parámetros de alguna película de ciencia ficción para que el autor de la presente elabore la metáfora-  vendría a ser  como esa vacuna, que gestada para el bien de la humanidad, por un error de calculo resulto en un virus que al esparcirse en el aire transforma a los jóvenes  que durante una semana, programa del festival en mano, no tiene la intención de observar diferentes cinematografías del mundo, sino,  en ánimos febriles, buscaran deglutir  las proyecciones ofrecidas por el festival.   

¿Que es y que debe ofrecer un festival de cine?   

La razón de una celebración de esta magnitud, es acercarle y proponerle  al publico  la oportunidad de conocer y disfrutar  de nuevos horizontes que permitan valorar cinematografías  provenientes de  lugares distantes, de diferentes culturas y razones políticas, como Dinamarca, Alemania, Corea del sur, España, Rusia, Francia, Italia, Estados Unidos, Palestina y México. A todas y cada una de las diferentes miradas presentadas en el festival  le es concerniente un común denominador.  La realidad y la necesidad misma de expresarla. El mundo globalizado, determina, hoy por hoy, el significado de la realidad, y como habrá de afectar  a  las naciones que a suerte y verdad quedan incluidas o exentas de esta “Gran Aldea Global”.

La totalidad de los relatos que se presentan en  las diferentes secciones del festival,  aventuran al espectador a contemplar  un horizonte  de testimonios frontales. Registros de una  realidad indómita, en la que cada film busca desestructurar  el pensamiento sentencioso del espectador. Los casi 300 títulos  que fueron presentados este año en el festival de cine independiente de Buenos Aires,  tienen  la virtud de poder volar en libertad y con autonomía e independencia. Sin compromiso alguno, mas que con la realidad.  

La  emancipación de realizadores y producciones  para con la industria,   es una invitación  que confirma como hay otras  historias para contar fuera de los designios y compromisos comerciales o políticos de un poderoso estudio cinematográfico. Otras historias, ni mejores ni peores. Simplemente diferentes.  

Apostillas de un festival de cine…  

Es por demás interesante las irrisorias escenas que tiene lugar durante todas y cada una de  las jornadas del festival de cine independiente de Buenos Aires, donde los amplios pasillos del multicine el Abasto se encuentran atiborrados de espectadores,  generalmente jóvenes de entre 20 y 30 años, lookeados con aires de afectación, una alta cuota de histrionismo en su proceder,  en una actitud que es el común denominador de jóvenes capaces de  desplazarse como entendidos de la realidad cinematográfica mundial. Para ser parte de la fauna típica de un festival de cine, o mejor dicho para conformar una elocuente manada de  “Groupie’s”  del festival de cine, solo se requieren: 

1)       Pocos conocimientos sobre la materia.

2)       Un alto grado de egocentrismo, mejor llamado ombligismo.    

Pero lo fundamental y lo que nunca hay que olvidar en un festival de cine es  “La soberbia”  en el carácter para  convertirse  en excéntricos e improvisados críticos de cine y  arte contemporáneo, de ocasión y al paso.  

Algo que no se debe omitir es  forzar “parloteos” cargadas de cinismo  que apunten a los regímenes contractuales del cine internacional, sumado a descarnados comentarios hacia las producciones de Hollywood y el fatuo compromiso de declarar una Jihad contar el público  que consume dichas producciones.   

Para ser parte de estos  “Groupie’s”  del festival de cine. Chicos por demás excéntricos, se  requiere de un guardarropa cuidadosamente seleccionado, a saber:  

1)       Una remera que denote el laborioso peregrinaje que debió padecer el propietario para dar con el paradero de una inscripción, estampa o dibujo  tan original  que evoque la onda “Retro” de dibujitos animados.

2)       Muchas carpetas sostenidas con facilidad, sin olvidar,  que hacia el exterior se permita “Visualizar un libro de teoría cinematográfica o en su defecto algún discurso filosófico”. Aunque el portador desconozca su contenido.

3)       Comerse  un alfajor “Capitán del Espacio” y disertar con un símil  de la comunidad de“Groupie’s  del festival de cine”  sobre  las ventajas de una dieta macrobiótica,  mientras bajan el alfajor con un “Actimel”. 

 Es de este modo,  que los Groupie’s despliegan incomprensibles  diálogos referidos a  “La inmaterialidad  representada en la pantalla”  algo tan irrisorio como descabellado. Mas adelante en la fila  otro grupo de   jóvenes ya repitieron más o menos once veces que son estudiantes de cine, mientras despliegan  mordaces criticas hacia “Los nihilismos vanguardistas del nuevo cine independiente americano”.  Dichos jóvenes  ostentan cultura gratuita, en elevados tonos de voz, como si invitasen  al resto de la concurrencia del pasillo  a su inapelable exposición, cargada de erróneas afirmaciones.   

Luego de modas efímeras, afectación,  todo a la normalidad…    

Como cada año al finalizar el festival todas las salas del circuito independiente, regresaran a su letargo habitual, albergando, con algo de suerte, a no a mas de treinta espectadores por fin de semana. En tanto, todo film proveniente de latitudes poco habituales que  pasara por la cartelera sin pena ni gloria.

La vorágine y el afán de solicitar un cine mas comprometido con la realidad, ya paso de largo, es solo parte del anecdotario  de muchos  grupos de jóvenes consumistas sobresaltados por ser  culturalmente activos durante el mes de Abril. Como sucedió  luego de las ediciones anteriores, todo ha de  volver a la normalidad. 

Por lo que resta de este año el cine de corte independiente retornara agobiado  a los honestos cineclubs, donde las caras de los devotos visitantes a lo largo del año  podrán ser fácilmente  recordadas y memorizadas incluso en la penumbra de una sala de cine.

Sin lugar para los débiles.

Int: Josh Brolin; Javier Bardem, Tommy Lee Jones.

Dir: Joel & Ethan Cohen. 

Por Javier Califano.

Miles de dólares en una valija en medio de un desértico paraje y un tendal de cadáveres, son el resultado de una fallida operación de tráfico de heroína cerca de la frontera mexicana.  Por lo tanto, una oportunidad irrepetible que se cruza en el camino de Moss (un digno Josh Brolin), quien de ocasión  se encontraba en zonas aledañas cazando venados. El destino  proclamara a Moss como  un desdichado antihéroe que fracasara en su homérico intento de cambiar su marcado su destino.  

Basado en la novela “No country for the old men” de Cormac McCarthy. El cine de los hermanos  Cohen propone ajustarse a referencias propias de su tan particular universo cinematográfico, donde  “La suerte”, “la muerte”, “la carretera” y “la persecución”, comulgan para ser sustantivos de un relato, donde aquel que otrora cazador, se convierte en presa. Tomar lo que no le pertenece a uno, tiene el costo de ser el objetivo de una doble cacería, primero por parte de unos aventurados matones  mexicanos que buscan quedarse con el dinero de la fallida transacción. Pero lo mas grave es ser la obsesión del mas sádico y retorcido psicópata a sueldo, llamado Chigurh (un magnifico Javier Bardem) contratado por los americanos que quieren recuperar su dinero. 

La persecución.

Toda una naturaleza brutal sale a relucir en un contexto desolado, donde los amorales protagonistas se lanzan a una carretera que solo sirve como escape ideal para obviar toda dirección y rumbo correcto.  Un hombre desesperado corre delante de otro que se regodea en la situación. El perpetuo y tan macabro juego del cazador y la presa, que tanto agrada a los hermanos Cohen, encuentra su lugar en un film furibundo como “Sin lugar para los débiles”. Los personajes interpretados por   Javier Bardem y Josh Brolin,  se desdibujan en un trazo rabioso de carácter hiper-violento, de aquello que realmente representan… la tan carismática referencia de la persecución cartoon: El  Coyote y correcaminos.  

En tanto, encontramos ya extenuado al tercer personaje integral del relato… a varios cuerpos de distancia…Tras la pista del desdichado Moss y del terrible Chigurh. Se presenta el sheriff Bell (Tommy Lee Jones), un hombre de ley,  reconociendo que ya se encuentra demasiado viejo para estas situaciones. El Sheriff Bell no es otra cosa que el otro lado de la fábula de la tortuga, que trata de mantener el paso, detrás de la(s) liebre(s), pero sin moraleja. Su camino y dirección  se dibuja gracias al el rastro de sangre dejado por Moss y Chigurh.  Un  rastreo a paso constante, nunca acelerado –corre donde quieras, no hay donde esconderse- ni de los asesinos, ni del inclemente paso del tiempo, o la vejez en el caso del sheriff.  

La carretera/ el camino… El cruce de los mismos.

Trabajado acaso como una de las mas poderosas metáforas de toda la  filmografía de los Cohen, ya sean sus obras road movies o no, las carreteras cargan con el poderoso significante de  una representación del hastió de Hombres prestos a huir en de un momento a otro, sin destino e inmersos en la soledad.Con su motorhome en una cuneta, el relato se inmiscuye en la falsa y pretendida vida hogareña que sostiene Moss (Josh Brolin),  junto a una joven bonita y algo tonta, que hace pocas preguntas y sabe cuando cerrar la boca. A un lado del camino, sin compromisos, prestos a salir cuando el aburrimiento y la monotonía dejen de ser parte de su rutinario y complaciente paraíso.

En el camino, sin punto de partida, y sin un destino esclarecido al finalizar el film, es donde encontraremos a Chigurh (Javier Bardem) un psicópata contratado para ser la sombra misma del infortunado Moss y eliminar a su objetivo. El misterioso personaje no es otra cosa que la representación de la muerte que acecha en la carretera. Se puede ser muy perverso y temible, pero cuando se es parte del imaginario de los Cohen, debe de pagarse un  tributo… y aguardar sin más a  enfrentarse a la temible encrucijada de los caminos.

Los protagonistas  se proponen alcanzar una meta en el horizonte (hipotético e inalcanzable). Una vez perdidos en la lejanía, solo quedara de ellos un rastro de sangre que traza el  hilo conductor de “Sin lugar para los débiles”. 

El azar.

Moss, no es más que un hombre que tentó al azar en pos de cambiar su patético destino. La suerte le dio la espalda y por lo tanto debe pagar las consecuencias, y más aun… todo aquel que lo rodea es parte integral de la deuda contraída. Una fuerza de la naturaleza como Chigurh,  Un incansable y obsesivo psicópata, se demuestra tan inclemente como para ser capaz de echar a suerte de cara o seca la vida de sus presas. Como si todo fuese algo más que matar por placer o dinero… El personaje se demuestra fiel a respetar el azar, que puede saciarle su sed de sangre,  o quitarle una de sus presas de las fauces. 

“Sin lugar para los débiles”, propone que el relato transite continuamente por tres instancias narrativas, consecuentes, complementarias y con sorprendentes consecuencias.  Una instancia narrativa, la del Sheriff Bell, tendrá una naturaleza analítica, contemplativa y pasiva en el devenir del relato. Las otras dos instancias narrativas, en tanto,  juegan un rol más arriesgado, ya que serán espacios itinerantes en los que se intercalan las vertiginosas y descriptivas consecuencias de la persecución de Chigurh y Moss.

Lo interesante será cuando una de las mismas desaparezca… representado en el film con la ausencia de uno de los protagonistas en  una lograda utilización del fuera de campo.   

El nuevo y muy logrado film de los hermanos Cohen, nos deja con las ganas de un duelo final, aquel veníamos saboreando desde el inicio de la película… un duelo que presentíamos seria memorable, cuando con anterioridad quedamos boquiabiertos con la magnifica escena en la que Moss -estando a punto de desvanecer- se enfrenta con un perro de caza.